DJ Ruth Flowers (mamy rock), una británica afincada en Francia, se ha convertido en uno de los DJ más solicitados a sus 69 años en las pistas de bailte de Francia y de media Europa.

Desde el festival de Cannes hasta las discotecas de moda de Paris suponen el hábitat natural de esta mujer, que descubrió su vocación por la música electrónica hace 4 años en la fiesta de cumpleaños de nieto yendo a una discoteca de moda, quedó prendida de la energía y alegría que ahí respiró descubriendo su gran pasión.

Fue una especie de herencia ascendente o invertida, porque su nieto es DJ, y ella ha obtenido de él su nueva profesión.

Ruth comenta de sus inicios, que una noche pinchó junto a su nieto en otra fiesta de cumpleaños y casualmente apareció el encargado de una discoteca que la descubrió y le propuso ir a pinchar.

Desde su descubrimiento comenzó a trabajar hasta que logró manejar con soltura las mesas, platos y demás elementos, y ha llegado a convertirse en uno de los DJ más aclamados de Europa.

Su primer sencillo saldrá publicado esta primera y promete ser un éxito absoluto de ventas.

Ruth Flowers, una cantante profesional dedicada hasta hace bien poco a la música de iglesia, música alemana y pop clásico, pero que al descubrir la música electrónica no dudó en reinventarse, en lo que ella denomina, the best DJ ever known.

Lo que al principio parecía una broma fue tornándose en algo muy serio, sobre todo a partir del momento que Aurelien Simon, un productor francés, le enseñó a pinchar ya mejorar su estilo, incluyendo gafas oscura y su característica ropa brillante.

Por supuesto, podéis visitar su web en http://mamyrock.com/, donde podréis escuchar su música, ver sus vídeos, sus fotos, etc… o visitar su perfil en Myspace toda una experiencia.

OK Go – This Too Shall Pass, es un clásico que ha inspirado coreografías hasta en Gran Hermano. Este grupo saber ser fenómeno viral en Youtube, con sus videos. Y este video es puro arte, realización, e instalaciones, alucinante, mágico y mucho trabajo y talento. Todo encima en plano secuencia.

Varios artistas – We are the world 25 for Haiti

La versión de la canción compuesta por Michael Jackson y Lionel Ritchie en 1985, esta vez para ayudar a las víctimas del terremoto de Haití. Me encanta Quincy Jones, pero la verdad que esta versión es por una buena causa, pero un pastel total:

Justin Bieber – Baby ft. Ludacris

Este cantante adolescente es el penúltimo fenómeno en la red entre sus fans, aunque a mi me produzca dolor de cabeza.

Rick Astley – Never gonna give you up

Este vídeo tiene más de 20 años,  pero volvió a estar de moda gracias a la conocida broma práctica de Rickrolling, de la gamberra comunidad online 4chan que consistía en hacer pinchar aa un amigo o usuario un enlace bajo la la promesa de que iba a ver algo divertido, para encontrarse finalmente a Rick Astley.

Tay Zonday – Chocolate Rain

Un video algo freak, como quién canta, la voz y en general su canal de vídeos, pero todo un éxito en Youtube hace no mucho tiempo. La canción es curiosa y el vídeo no lo es menos.

El resto son Half Foot Outside, Lidia Damunt, Wild Honey, Half Foot Outside, Emilio José, Cohete.

Ahora, música española, Delorean:

Antes, música española, Barrabás:

Los vídeos no representan necesariamente obras de arte musicales, sólo son canciones que muchos conocemos porque han sonado una gran cantidad de veces en la radio, por lo que se han hecho muy populares. Os he puesto las que he recordado de cabeza, pero mis preferencias, obviamente Leño y Sinkope, por este orden.

Y sólo una curiosidad, que mucha gente no conoce, la canción de Pongamos que hablo de Madrid está escrita sobre una letra de Antonio Sánchez, por lo que la letra no es de Sabina, sólo la música.

Sinkope – y pare Madrid

Leño – Este Madrid

Ana Belén y Víctor Manuel – La puerta de Alcalá

Joaquin Sabina – Yo me bajo en atocha

Antonio Flores – Pongamos que hablo de Madrid

Javier Álvarez – Piel de pantera

Pereza – Madrid

El 12 de Enero de 1969 salió al mercado el LP Led Zeppelin, el disco de debut de la banda Led Zeppelin, un disco que 41 años después se sigue escuchando por las generaciones posteriores a las que lo vieron nacer.

El disco se escapa de los tópicos de la época y fue sumamente revolucionario, bueno, sigue siendolo, ¿quien no ha escuchado nunca ninguna canción de Led Zepplin aún sin saberlo?, creo que nadie, todos hemos escuchado a Led Zeppelin en algún momento.

Las letras por otro lado tampoco siguen el estándar de la época, el problema es que en España con nuestro wichiwiwi lo normal es que sepamos como suena una letra, pero no sepamos lo que se dice en ella. Esta canción en concreto podría parecer una canción de amor, pero no es sino todo lo contrario.

Sin más, que la disfrutéis los que ya la conocéis y que la descubráis los nuevos, así que os dejo el vídeo y la letra.

Edición del disco

Edición en directo grabada en Dinamarca el mismo año 1969

Babe, I’m gonna leave you
(Bredon/Page/Plant)

Babe, baby, baby, I’m Gonna Leave You.
I said baby, you know I’m gonna leave you.
I’ll leave you when the summertime,
Leave you when the summertime comes arollin’
Leave you when the summer comes along.

Baby, baby, I don’t wanna leave you,
I ain’t jokin’ woman, I got to ramble.
Oh, yeah, baby, baby, I won’t be there,
Really got to ramble.
I can hear it callin’ me the way it used to do,
I can hear it callin’ me back home.

I know, I never leave you, baby.
But I got to go away from this place, I’ve got to quit you.
Ooh, baby,
Baby, ooh don’t you hear it callin’?
Woman, woman, I know, I know it’s good to have you back again
And I know that one day baby, it’s really gonna grow, yes it is.
We gonna go walkin’ through the park every day.
Hear what I say, every day.
Baby, it’s really growin’, you made me happy when the skies were grey.
But now I’ve got to go away
Baby, baby, baby, baby
That’s when it’s callin’ me
That’s when it’s callin’ me back home…

Nena voy a dejarte

Nena, nena, nena, voy a dejarte.
He dicho nena, que sabes que voy a dejarte.
Te dejare en el verano,
Te dejare cuando llegue el verano,
Te dejare cuando el verano se acerque.

Nena, nena, nena, nena, nena, nena, nena,
Nena, nena, te voy a dejar,
No estoy bromeando, chica, tengo que irme por ahí,
Oh si nena, nena, no estaré ahí, realmente tengo que irme.
Oigo como me llaman, como lo solías hacer,
Oigo como me llaman para que vuelva a casa.

Nena, oh, nena, te voy a dejar.
Oh, nena, sabes que realmente debo dejarte
Oh, oigo como me llaman, como lo solías hacer.

Se que nunca, nunca, nunca, nunca podría dejarte nena,
Pero debo irme a otros sitios,
Y debo elegir, si.
Oh nena, nena, nena,
Oh, ¿no oyes como me llaman?

Chica, chica, lo se, lo se
Es bueno tenerte un día mas, estaría tan bien,
Pasearíamos por el parque todos los días,
Pero ahora, nena, nena, nena
Me están llamando
He dicho que me están llamando para que vuelva a casa

Así uno de sus mayores detractores de la banda fue fue John Mendelsohn, periodista de la revista Rolling Stone, que les acusó primeramente de haber copiado el riff de la canción «Your Time Is Gonna Come» de la canción «Dear Mr. Fantasy» del grupo Traffic. Y para muestra un botón:

En el Reino Unido se ha iniciado una campaña para que en el 2011 el Heavy Metal entre a formar parte como religión dentro del censo de religiones, el último censo se realizó en el año 2001, en el que se presentó la religión Jedi, que contaba en aquel entonces con 390.000 inscritos.

Pero esto es distinto, el Heavy es una forma de vida, una actitud, en fin, lo es todo y por eso le he dado mi apoyo al grupo de Facebook Heavy Metal For the 2011 Census, en el que ya estamos inscritos casi 9.500 personas, en el cual se están discutiendo entre otras cosas si va a ser una religión monodeísta o multideísta o cuales va a ser los mandamientos.

Dejando de un lado los frikismos propios que generan de este tipo de noticias y el amarillismo con el que puede ser tratada fácilmente, es bien cierto que los heavys nacen, crecen y mueren heavys, es algo muy curioso y parecido a una secta, al final todos acabaremos calvos y la gran mayoría con traje, pero en el coche ¿qué sonará?, obvio ¿no?

De todos modos y para oficializar la fe heavy, la revista Metal Hammer ha propuesto a Biff Byford como “el embajador para la paz del heavy mundial”.

Incluso se ha creado una versión del padre nuestro cristiano adaptado a las circunstancias:

The Lord’s Prayer

Our Father,
Who art in metal,
Lemmy be thy name,

Thy hairs be spun,
Moshpits to come,
At Hammerfest as it was in Wales,

Give us this day our daily death metal,
And forgive us our bodyslams,
As we forgive those who bodyslam against us,

And lead us not into Christianity,
But deliver us from Cliff Richard,
For thine is Metallica, Megadeth and Gojira,

Slayer forever,
Amen.

Y creo que es un momento tan bueno como cualquier otro para dedicarle esa media hora, así que aquí os dejo media horita de Johann Sebastian Bach para que lo escuchéis y sabréis el por qué de este tweet.

Aquí os dejo una selección de un concierto del violoncelista letón Mischa Maisky, uno de mis favoritos, de media hora justa, para que tengáis vuestra media hora de Bach de hoy, espero que os guste.

Estas canciones son unas cuantas que he seleccionado y que creo que todos hemos escuchado alguna vez, aunque quizás haya nuevas que quizás no conozcas, pero estas canciones nunca faltan en ningún sitio donde estoy.

Las hay más rapiditas, más lentas, las hay instrumentales, cantadas por mujeres, por hombres, etc…

Para mi sin duda son unas que creo que merecen ser recomendadas y espero que os gusten y que las disfrutéis.

Liquid Tension Experiment – Acid Rain

Yes – Owner Of A Lonely Heart

Joan Jett & the Blackhearts – I Love Rock N Roll

Red Hot Chili Peppers – Under The Bridge

George Thorogood – Bad To The Bone

Motorhead- Ace of Spades

Kiss – Heaven’s On Fire

Guns N’ Roses – Welcome To The Jungle

Beastie Boys-Fight For Your Right

Sweet – Fox On The Run

Janis Joplin – Piece of my heart

Jimi Hendrix – Fire

Bob Dylan – Knockin’ On Heaven’s Door

Ugly Kid Joe – Cats In The Cradle

Dire Straits – Walk of Life

The Clash – Should I stay or should I go

Steve Miller Band – The Joker

Aerosmith – Janie’s Got A Gun

U2 – One

ZZ Top – Sharp Dressed Man

The Passenger – Iggy Pop

Por lo que la SGAE se supone si podría “por mandato” como expresa en el mail, cobrar en nombre de la artista. Y es que eso de lo que según Miguel Ángel está registrado en la SGAE no sería ella, sino su obra, no es tan así, desde que ellos se registran en la SGAE admiten que esta les gestione sus derechos, creo. Y así la SGAE reclama en base al uso del repertorio de sus artistas, lógicamente.

Pero resulta que a juzgar por el mail publicado montar un concierto Creative Commons con composiciones y artistas registrados en la SGAE parecería incompatible, me temo. Y así consultamos telefónicamente con un abogado especialista en estos temas, al que agradecemos enormemente la ayuda prestada. La música la compartes libremente con o sin Copyright, pero no las dos cosas, a no ser que se cumplan una serie de requisitos, que a priori no aparecen.

Ahora bien, en el caso que el 50% del tiempo del concierto fuera de otro artista Creative Commons. Aunque Salvarez siguiera siendo SGAE, respecto a su repertorio ¿pueden reclamar el 10% de la taquilla como si el otro, no hubiera actuado ni estado allí?.

Ver para creer… Músicos callejeros e independientes, tengan cuidado no venga la SGAE un día de estos a pedir que compartan con ellos el 10% de las monedas ganadas pasando frío y calor, que os tiran en la gorra cuando cantáis vuestros propios temas, e incluso quizá hasta de los cover.

Os dejo nuevamente el video de la banda, para que la escuchen y el que no la conozca, que merece la pena verlo ¡es fun  latino! como a mi me gusta:

Ha hecho sus pinitos en un gran número de programas de televisión mexicana, entre otros en España, Estados Unidos, y Argentina. Hoy en día tiene su propio programa de televisión en el canal mexicano de vídeos musicales Telehit, titulado Sabrina, Para El Que Lo Aguante Todo, sobre sexo y sexualidad, que es transmitido en más de sesenta países.

Pero por lo que es realmente famosa es por su récord Guinness de los pechos más enormes o la delantera más grande del mundo. Creo que en la última operación se puso siete kilos de busto, pero ya perdimos la cuenta porque la última operación fue en diciembre y ni ella sabe ya lo que pesan. ¡Super freak!.

Pero, ¿por qué es importante decir que se podrá comprar en el concierto?, muy sencillo, será difícil que lo encontréis en tiendas, y muy fácil que lo encontréis en Internet, de hecho, el mismo grupo 57 Grados pone a disposición de todo el mundo todos sus temas, así que tonterías las justas, además, no creo que podáis encontrar las canciones de 57 Grados en el “repertorio” de la SGAE, así que a copiar, distribuir como locos y a poner su música en todas partes como fiestas, saraos, vídeos y ¿por qué no? en tu propia boda

Como no sería de recibo comentaros lo buenos que son sin que os deje una de las canciones de su último disco, jjjj, la única que hay disponible todavía, aquí os la dejo:

Por supuesto, os podéis descargar este tema de Archive.org en prácticamente cualquier formato, ya no tenéis excusa para no escucharlo.

Y para ponerlo más fácil todavía, aquí os dejo la canción de You Tube, para que no digáis que lo de Archive es muy complicado:

Y recordar que el 23 en la Sala Caracol tendréis la presentación del disco. Por mi caso no se si podré ir, tengo una vida muy complicada , pero me gustaría comprar el CD y me gustaría pedirle a los chicos de 57 grados que lo pongan en algún sitio como lulu.com para que podamos comprarlo los que disfrutamos con su música, por supuesto, sin canon. Gracias.

Y sólo una cosa más, si os ha gustado su música enlazarles en vuestros blogs, que estos chicos se lo merecen.

Este tema es sin duda uno de los que mejor “rollo” causan en aquellos que lo escuchan, fantástico.

Gary Moore – over the hills and far away

Nightwish – over the hills and far awayn

Creo que los más exóticos son los koreanos, afganos (¡que buenos instrumentos!), y especialmente los de Lesoto que parecen unos samurais coloridos (no obstante son mezcla de autóctonos, asiáticos y europeos que viven en África). Todos los países nórdicos lucen con mucho frío, y los de Jamaica aparecen sospechosamente rodeados de humo…

Por eso ahora salió a la luz un informe encargado del Ejecutivo francés (¿favoritismo con el productor de la esposa del presidente?, no, que va), en el que el productor incluye su revolucionaria fórmula para cobrar “un pequeño porcentaje” a los buscadores como Google, según informaba el diario Libération.

Y es que precisamente fueron “un grupo de expertos” los elegidos intelectuales del Ministerio de Cultura de Francia quienes tuvieron a bien crear esta norma junto con otras veinto poco, para complementar la conocida ley Hadopi. Como si con esta no fuera suficiente.

Este “impuesto Google”, como se le llama “consistiría en percibir un pequeño porcentaje de los 800 millones de euros de la facturación del motor de búsqueda en Francia”, y se podría implementar “directamente a un nivel europeo”. Suena como un poco caradura y robo a mano armada. Pero el productor asegura que “es jurídica y técnicamente posible”, y aquí viene lo peor y la pega, y es que Francia no podría hacerlo en soledad y se necesitará de la coordinación con otros países europeos.

Mientras  un representante de Google Francia dijo que “en vez de buscar cobrarles impuestos, la comunidad de autores debería trabajar en conjunto para resolver sus propios problemas”. Bien hecho.

Pero ellos los creadores franceses, siempre tan considerados están convencidos que: “Los motores de búsqueda necesitan nuestros contenidos, los proveedores de acceso (a internet) también, y de lo que ahora se trata es de tener una estrategia global sobre estas cuestiones”, defiende el productor de Carla, y otras artistas anteriores y más auténticas que la inspiraron, como Marianne Faithfull. Y es que por lo visto las duras medidas que ya existen en Francia, que incluyen la sanción a los piratas mediante el corte del acceso internet, para el no son suficientes.

Al menos dice algo más lógico que es que el verdadero reto es lograr que los consumidores accedan legalmente a la música por Internet, ofreciéndoles “condiciones atractivas” para comprar. “Hay que imponer un nuevo sistema de gestión colectiva de la música en línea. Ya sean pequeños o grandes, todos los productores deben poder vender su música al mismo precio, ya sea en iTunes o en la Fnac”, declaró.

Calculo que Patrick debe pensar en su bolsillo y en el de otros artistas, y no “llora por la falta de ingresos”, “pidiendo más ayudas al Estado y a Europa”, porque su artista y mujer del presidente Carla Bruni, no tenga ni para pagarse un café.

Tras la sentida pérdida de la Gran Mercedes Sosa, ha muerto Sandro, el ídolo de América, el primer rocker y el Elvis Presley argentino. Un icono de la música latinoamericana. Sandro nació el 19 de agosto de 1945 y se crió y vivió siempre en los suburbios industriales del sur de la Ciudad de Buenos Aires.
Fue uno de los fundadores del rock en español. Publicó 52 álbumes originales y vendió 8 millones de copias, aunque otras voces elevan esta cifra hasta 22 millones. Algunos de sus mayores éxitos son “Dame fuego”, “Rosa, Rosa”, “Quiero llenarme de ti”, “Penumbras”, “Porque yo te amo”, “Así”, “Tengo”, “Trigal”, “Una muchacha y una guitarra”. Su tema “Rosa, Rosa” vendió en la Argentina casi 2 millones de discos. Su tema “Tengo” ha sido considerado el Nº 15 entre los 100 mejores temas de la historia del rock argentino, por la cadena MTV y la revista Rolling Stone. Realizó 16 películas. Fue el primer latino en cantar en el Madison Square Garden, actuando en vivo en dos recitales, frente a más de 250.000 espectadores lo que también fue la primera transmisión vía satélite de un cantante en la historia. Cuando regresó a la Argentina le esperaban 20.000 fans para festejar este éxito. En 2005 recibió el Grammy Latino a la Trayectoria. Su abuelo paterno pertenecía al pueblo Rom y Sandro recogió esa herencia asumiendo el sobrenombre de Gitano, si bien no lo era.

Su carrera comenzó en octubre con su presentación en el Festival Buenos Aires de la Canción cantando la balada “Quiero llenarme de ti”, con la que ganó el festival y empezó la locura de su popularidad extrema y el amor incontrolable de sus fans. El éxito se consolidó con el lanzamiento inmediato del sencillo “Quiero llenarme de ti”, que rompió récords de ventas y se publicó en varios países de habla hispana y comunidades latinas de EE. UU., proyectando su carrera artística internacional. Una parte esencial de su estilo fue su persona elocuente, divertida, simpática, cariñosa con sus “nenas” (como llamaba el a sus fieles fans), y la adopción de una pose de seducción sexual abierta, que Sandro dirigió hacia las mujeres, expresándolo en sus letras y ritmos, pero sobre todo en su voz sensual y movimientos de pelvis y caderas. Un estilo sexual irreverente que provocó la histeria y entrega absoluta de todas sus fans  latinoamericanas. En febrero de 1968, Sandro se presentó en el Festival de Viña del Mar (Chile), y ganó, repitiéndose el furor popular, especialmente femenino. Viña, un festival clave de la música continental, le abrió las puertas de los países latinos: Venezuela, Chile, Colombia, Perú, Uruguay, Paraguay, Ecuador, México, Puerto Rico, Costa Rica etc Su éxito se extendió además a las comunidades latinas de EE. UU.

Llevó su música a todos los países de las Américas y el Caribe, incluyendo EE.UU. y Canadá, alcanzando los primeros lugares de todas las listas de la canción popular latinoamericana. Comenzando a ser conocido con el nombre de su noveno álbum, Sandro de América, considerado por la discográfica CBS entonces,  el n.º 1 de la región.

Uno de los fenómenos más notables de la carrera de Sandro fue no sólo su fulgurante carrera sino la permanencia en el tiempo gracias a la fidelidad y la pasión de sus fans. Mayoritariamente se trata de mujeres latinoamericanas, que eran adolescentes a comienzos de los años setenta y que nunca dejaron de adorar a Sandro siendo típico que le tiraran bragas, cadenitas de oro, peluches y lo que fuera a su ídolo como a Jesulín. En la primera década del siglo XXI, esas fans ya son mujeres mayores, muchas de ellas ancianas, pero seguían peregrinando a la casa de su ídolo en Banfield por su cumpleaños, y asistiendo a sus conciertos, con la misma actitud juvenil frenética que tenían cuando lo descubrieron de adolescentes. Y eso es realmente maravilloso y mágico de ver.

Roberto Sánchez falleció en el Hospital Italiano de Mendoza por un “shock séptico”, según informó Claudio Burgos, jefe del equipo que lo operó. Su deceso se produjo a las 20.40 hs del 4 de enero de 2010. El paciente había afrontado cinco intervenciones luego del transplante cardiopulmonar (dos de ellas efectuadas el mismo día de su muerte) y había luchado por su vida durante 45 días. Inmediatamente, la noticia repercutió en todos los medios argentinos e internacionales y en  las redes sociales.  The New York Times publicó en tapa de su edición electrónica del 5 de enero de 2010 la noticia de la muerte del cantante titulando textualmente: “Muere a los 64 años el cantante Sandro, el Elvis argentino”. El mismo día, la conductora televisiva argentina Mirtha Legrand declaró que  la muerte de Sandro “solo puede compararse, en importancia, con la de Carlos Gardel”.

En su época rockera con Los del Fuego:

Uno de sus temas, más valorados, Tengo (un mundo de sensaciones):

Su tema Dame Dame Fuego:

Y al final todo sigue igual:

Un más que certado repertorio de canciones de un grande: Sandro, y un homenaje que le hizo el rock argentino y aristas como: León Gieco; Bersuit; Attaque 77; Aterciopelados; Molotov; Divididos; Los Cadillacs; Los Caballeros de la Quema, Erica García y Los Visitantes, entre otros en este disco macro. Acá con Riff:

La televisión sobre su muerte:

Las letras del nuevo disco giran en su mayoría en torno al amor. Algo de lo que el cavaliere sabe mucho, o al menos eso dijeron algunas “prostitutas que tuvieron ocasión de formar parte de su comentado y supuesto haren”.

Ya estarían terminadas ocho canciones de doce, y tendrían títulos muy originales como “Hay amor”, “Pero si te pierdo…” y “Quédate conmigo” en la lógica de Berlusconi de que “el amor siempre vencerá sobre la envidia y el odio”.

“La pasión del Cavaliere por la música viene desde hace tiempo: le gusta escribir textos y se entretiene cantándolos”, explicaba el diario La Stampa. La primera cooperación de Berlusconi, que trabajó de joven como cantante de crucero, fue con el guitarrista napolitano Mariano Apicelli se remonta a 2003. Tal vez lo suyo sea más el espectáculo que la política. ¿Será el nuevo Tony Benet?.

Los Rolling Stones copiados por Mötley Crüe:

¿El diseñador del cartel de la película de Almodóvar inspiró esta tapa del disco de Barbra Streisand?

Iron Maiden ¡pillado!

Que Madonna es la reina del copy paste aunque le llame “reinventarse” todos los sabemos:

El rey del Electro no se puede llamar original:

Un experto en parodias:

¿Quién es El Vez, es español?

Copia total a una de mis bandas favoritas, que por cierto también se robaban sus temas de otros:

¿The Clash London Calling copió a Elvis  y a ambos este asiático? ¡Increible!

El de la tapa de Yo La Tengo se ve que pensó muchísimo, no fue capaz ni de cambiar el color de la tipo:

Veo una pequeña crítica a la músic pachanga izquierdosa aquí:

Es inevitable copiar una banda tan grande:

De la misma época, dos bandas que me encantan, y portadas casi iguales:

Un post excelente de la Taringa.

El suceso, es tan insólito que ha sido una de las noticias más leídas de El País, reproducida por medios de todo el mundo, como The Guardian. El denunciado, por el catalán desconocido, espectador del V Festival de Sigüenza denunció al saxofonista Larry Ochs por no tocar jazz puro, y por eso al trompetista y poderoso jazzman Wynton Marsalis, que es un purista del jazz, le gustó tanto este hecho que busca al misterioso denunciante para, “en señal de gratitud”, regalarle su discografía completa (unos 70 discos) autografiada. Barcelonés afincado en Alcorcón se busca para recompensa jazzísitca.

¿Oportunista?. Para Marsalis lo que toca Larry Ochs, veterano músico de postbop y free jazz o libre jazz, no es lo que considera la esencia iluminada de su género. Lo que subyace de todo esto es el debate sobre la naturaleza del arte, elevado y popular, o el jazz puro o la fusión de la música contemporánea, las etiquetas y definiciones de la música según quién las utilice.

O un afroamericano en Nueva York que tiene 500 camisetas y la matrícula de su coche con el nombre de la banda. Eso sería divertido, y lo es, pero lo que aporta ese algo más interesante y emotivo si se quiere a la historia, es como para los aficionados en Rumania, Alemania del Este y Rusia, la música de Depeche Mode, coincidió con los acontecimientos nacionales e históricos que cambiaron sus vidas.

El documental muestra una Europa intolerante y decadente que vivió la caída del muro de Berlín, la guerra fría, o la brutal dictadura de Nicolae Ceausescu en Rumanía. Como nos recuerda un fanático incapaz de mirar La Casa Poporului (Casa del Pueblo), el segundo edificio público más grande del mundo después del Pentágono, y escenario o símbolo del dolor y lastre que muchos rumanos, arrastran hasta hoy. Bucarest era una ciudad hermosa de edificios pequeños, con jardines y viñedos, que mezclaba Oriente y Occidente, Estambul y París. Ese edificio representa las fosas comunes, el aislamiento, la paranoia y desconfianza a la que sometió un pueblo un campesino casi analfabeto que fue alzado por las masas y gobernó con dureza stalinista.

Las revoluciones en sus respectivos países sucedieron en la misma época que Depeche Mode les golpeó su corazón. Por eso, para ellos, la música de la banda representa un algo más: la libertad personal, la rebelión, y la aceptación de uno mismo diferenciado del contexto.

La espiritualidad y el sentido transcendental de la existencia rusa se ve perfectamente plasmada en sus letras, afirma una señora. Más conmovedor tal vez es el relato de Peyman, un hombre iraní, que muestra las tres copias de las cintas de Depeche Mode que compró en el mercado negro de su país, en donde está prohibida la música occidental.

Cuenta en esta pieza emotiva audiovisual que abandonó Irán en parte porque sintió que su vida no era nada sin la música, y que la primera vez que pudo asistir a un concierto estaba tan emocionado, que fue relatando la experiencia minuto a minuto por teléfono móvil a sus amigos iranís.

Para Mark, un ex vagabundo inglés, las canciones de Depeche Mode le ayudaron a encontrar un camino más allá de su agonía debajo de un puente. También vemos una iglesia muy moderna que pone Joy Division y Depeche como música de fondo en sus misas para sus fieles vestidos al estilo gótico. O una familia que tiene como hobbie disfrazarse como los chicos de Depeche Mode aparecen en sus videoclips.

Esta película obviamente no demuestra que Depeche Mode es la banda más grande del mundo, pero si sabe mostrar de manera entrañable y amena, la entrega absoluta de sus más grandes fans.

Este sistema, dejó muchos muertos: chicos en bicicleta que castraron por su color de piel, cuerpos sin vida en el río, y asesinatos impunes de sheriffs racistas, la polícia, o el ku kux klan. Hasta que Martin Luther King dijo ¡basta! y enseñó a los afroamericanos a organizarse y luchar unidos por su libertad, sin violencia. Y vaya que no se rindieron, a pesar de la hostilidad evidente, cuando no amenaza, de los segregacionistas. Esta revolución pacifista dejó momentos históricos como el Boicot de autobuses en Montgomery, en 1955, que duró 365 días. Cuando la empresa de transportes estaba a punto de quebrar, ya que todos los afroamericanos se propusieron religiosamente no usarlos (“es mejor caminar con dignidad, que sentarse humillado” dijo Martin), se consiguió el primer logro de los que seguirían: asientos sin diferencia de “color”. Después vinieron las sentadas pacíficas en cafeterías y grandes almacenes, que lograron que los afroamericanos tuvieran el derecho a ser  servidos como cualquier otra persona en la barra de un bar. No fue fácil, les pegaron, escupieron, tirotearon, lincharon, y bombardearon.

Pero la unión hizo la fuerza, y cada afroamericado rechazado, golpeado, o invitado a abandonar un lugar, tenía otro dispuesto a sustituirle en el camino hacia la libertad. Imágenes escalofriantes que quedarán en nuestra memoria histórica de niños  huyendo de la furia de cañones de agua que les desplazaban hacia los árboles, ciudadanos amenazados con perros o menores heridos a golpe de porrazo, con la mayor crueldad y sin niguna justificación a esta espeluznante e innecesaria intolerancia.

O la grabación tantas veces reproducida de la marcha sobre Washington por el trabajo y la libertad, en 1963, al final de la cual Martin Luther King pronunciaría su famoso discurso “I Have a Dream”.

En esta marcha se reunieron 250.000 personas de toda etnia, para reclamar el fin de la segregación racial en las escuelas y lugares públicos; una legislación significativa sobre los derechos civiles, incluyendo una ley que prohibiese la discriminación racial en el mundo del trabajo, y una protección de los activistas de los derechos civiles de la violencia policial; además de un salario mínimo de dos dólares para todos los trabajadores sin distinción racial.

Las sentadas, la no-violencia, y muchos testimonios entrañables de aquellos que dieron el alma y la vida entrando y saliendo de la cárcel con tal de defender sus derechos, son aderezados en esta digna pieza audiovisual con canciones espirituales, bluseras o de gospel como We Shall Overcome, o Freedom que tan bien acompañaron a la comunidad afro americana en esta lucha.  Canciones conservadas por la tradición oral afroamericana, desde la esclavitud. Pues hubo un tiempo en el que la única manera que tenía un hombre negro de expresar sus sentimientos era la música. Pero como diría Martin Luther King: “si el hombre no ha descubierto nada por lo que morir, no es digno de vivir”.